像秦放歌现在这样，给学生们集体讲课，一般叫做“大课”，一对多，一位老师对多位学生。而他随后进行的大师班正式课程，可以算是“小课”，一对一，一位老师对一位学生的教学活动。
不过秦放歌给学生们上的“小课”，是会进行网络直播，并有其他学生全程围观，只是教学重点是针对具体每位学生的特点和风格。
现在这样的大课，秦放歌也就讲作曲的宏观格局等方面，对每位立志创作的学生，都是有用处的。
关于灵感，秦放歌想要讲的很多，“你的灵感，你的音乐主题一定要是一个大家都能够感知到的，并且能够结合各自不同的经历，对这个主题产生多种多样联想的、宏观的、宽泛的形象。”
“简而言之，灵感首先是在我们在脑海中形成的，一种主观的意象或形象，但光有这些主观的、具体的意象或形象还不够，我们还需要将其凝练成为一种具有共性的、抽象的思想。进而作为一部作品的创作意图，来指导和统筹整部作品的设计和发展。”
“我知道大家普遍关注的，关于写什么的话题中，还有一个点就是，我们要写民族的作品吗？”
“我的答案是当然要写，民族的就是世界的。但写民族音乐作品，并不是简单的生搬硬造，套上我们传统五音阶，那也太敷衍观众也不会认可。”
“西方音乐在创作当中的时候，特别重视材料贯穿、结构清晰的习惯法则，这些优点是我们要学习并用在创作中的。但我们创作时，也需要把握、发挥出我们中国传统音乐所独有的审美要素，如虚实、意象、余韵、留白等，和我们传统文化相结合的东西。”
“民族音乐中五声性的素材是很好的创作元素，用五声性素材的运用是要塑造音乐的整体。假如你仅仅用五声音阶做横向、纵向的呈现，那么每一个人、每一个作品的创作手法就全都一样。这样创作出来的作品，就是失败的。”
“大家对于民族元素的理解各不相同，但毫无疑问，如果将其单纯的理解成为五声音阶的呈现、民间曲调的应用又或是某件民族乐器的音色附加，无疑是狭隘而表层的。”
“我认为的，民族元素是一个广义的、宽泛的概念，是设计在音响、结构中的核心要素，也是浸染在音乐中的独特意境，也是贯穿在作品中的文化内核，还是呈现音乐语言的内在逻辑。”
“创作民族元素作品，并不意味着就抛弃西洋音乐。中西乐器兼重、兼容，是时代进步的必然。中国的乐器怎样写、中西乐器在一首作品当中如何共融，接下来我会详细为大家讲解。”
于是，秦放歌就先从中国民族乐器的特性讲起，切入到音乐写作中具体的结构安排、配器、演奏法和审美表达，建议在乐曲中为中国乐器的特殊性格“留白”。
比如，中国民族音乐中独弹拨乐器，一个格外重要特性就是“余韵”，可以在乐曲中为乐器的余韵留有更多的空间有效展开，而不要一触即停。
这样的话题其实是比较宏大的，引申开来，别说是一天的大师班课程，讲一个学期怕是都讲不完的。
秦放歌也先不管这些，先把他的这些想法摆出来，告知学生们再说。可以让学生们回去之后慢慢消化，特别是在他们创作的时候，要能有所帮助的话，就善莫大焉。
“此外，中西音乐相结合，也会有一个相当实际的问题：中国民族音乐中许多口传心授的技艺与韵律，是西方指挥、演奏员难以理解的。因此，我们的音乐作品中涉及此类因素时，都应该想办法尽可能地将预期音响效果在谱面上清晰地体现出来，以传达给指挥和演奏员，使其在最大程度上实现我们对最终音响效果的期待。”
秦放歌这好为人师的家伙，一旦讲起来，也真是如“滔滔江水连绵不绝，又如黄河泛滥一发不可收拾。”
他哪怕讲这些特别专业的问题，也是各种不带重复的，好在没有唾沫横飞，但依旧激情四溢，“除了写什么的问题外，我知道大家肯定还有怎么写的疑问……”
“结构布局、材料运用、和声设计等基础作曲技术需要我们长期不间断的练习，而运用这些技术的理念进行创作，则是关键。”
“训练作曲技术方面的能力，是我们学习阶段首当其中的功课，在此基础上，我认为，一定要明确一个核心的观念——根据创作意图运用合理的技术。”
“从创作意图着手，从宏观到微观，设计作品的结构、材料、和声、织体、音色等，优秀的作品一定是根据创作意图在切题的结构中，充分地运用最精简的材料、恰到好处的和声、织体、音色，获得最符合创作意图的音响效果。绝不是漫无目的的、浮夸的技术堆砌，这样创作出来的作品，除了炫酷之外，没有任何的意义。”
“关于结构设计，在我们明确了创作意图后，首先要做的就是设计一个符合创作意图的结构框架，在宏观的构想下逐层塑造中观、微观的组织与形态。那么所谓的结构是要怎样设计才算合理，要遵循传统结构原则还是另辟蹊径？我认为根据创作意图的需要，对传统的规则作出突破，在获得预期效果的同时，还能使作品不落窠臼，这样的设计才是最好的。”
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