桃子娱乐与苏萌的风暴尘埃落定，娱乐圈迎来了久违的宁静，而对于江黎曦而言，一个属于她个人音乐世界的宏大工程，才刚刚拉开序幕。
外界的纷扰如同淬火的冷水，反而让她内心的创作火焰燃烧得更加纯粹和炽烈。她将所有的感悟、挣扎、突破与希望，都倾注到了这张被命名为《星溯》的首张个人专辑中。
“星溯”，寓意着回溯星光来路，探寻自我本源，亦指向未来星辰的征途。
这个概念，在她经历了一系列风波，尤其是早期照片事件后，变得异常清晰和坚定。
她不想做一张迎合市场的流水线产品，而是要打造一部真正属于“江黎曦”的音乐自传，一部能与人深度共鸣的艺术品。
专辑的创作并非从零开始。
早在退团单飞之初，那首宣告独立的《破茧》就已经埋下了《星溯》的种子。
那时的呐喊是本能的反抗，而如今，她需要更系统、更深刻地梳理自己。
周姐为她请来了业界以概念性强、风格多元着称的金牌制作人张楠。
第一次会议在江黎曦堆满乐谱和书籍的公寓里进行。
“黎曦，你先说说，你最想通过这张专辑表达什么？”张楠没有寒暄，直接切入核心。
江黎曦沉默片刻，眼神望向窗外，仿佛穿透时光：“我想…回溯。回溯我来自哪里，回溯那些塑造了我的光与暗。有失去亲人的痛，有在奶茶店度过的青春，有被误解的委屈，也有被支持着的温暖……它们都是我的‘星尘’。”
她转回头，目光灼灼，“我不想回避任何一部分，无论是灰暗的，还是明亮的。我想把它们都融进音乐里，所以风格上，可能不会太统一。”
张楠眼中闪过激赏：“不统一没关系，内核统一就行。你的经历本身就是最丰富的调色盘。我们可以用不同的音乐风格，来承载你人生不同的侧面。”
第一首确定下来的核心曲目，并非主打歌，而是一首充满国风韵味的《根泥》。
这首歌的灵感，直接源于那次早期照片风波。
她没有沉溺于自怜，而是将那段清贫却坚韧的岁月，化为了创作的养分。
“我愿化身为泥，深埋故里，等一场雨，等一轮月明照沟渠…”歌词由她亲自执笔，摒弃了华丽的辞藻，用最质朴的意象，描绘了对故土、对已逝父母的深切思念与自身扎根于平凡的认知。
编曲上，她与张楠大胆采用了古琴与电子氛围音效的结合，古琴的苍凉悠远勾勒出时光的质感，而低沉的电子音效则如同大地深沉的脉搏，营造出一种既传统又充满现代孤寂感的听觉空间。
这首歌，奠定了《星溯》专辑的基石——真实、包容、敢于直面过去，并从中汲取力量。
概念确立后，真正的挑战才刚刚开始。
如何将多元甚至对立的音乐风格完美融合，并确保每一首都能直击人心，需要极其精密的锻造。
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江黎曦将自己完全沉浸在了创作的熔炉里。
A大编导专业的课程赋予了她极强的结构感和叙事能力，她像构建一部电影一样构建着专辑的曲序和情绪流。
《燎原》—— 这是一首充满力量感的电子摇滚。
灵感来源于“星火”们在她被全网黑时的不离不弃。
强劲的电子节拍模拟着心跳的鼓噪，失真吉他如同划破暗夜的利刃，副歌部分层层递进的合唱式呐喊：“星火聚，可燎原！暗夜碎，见新天！”
将那种绝境中因爱与信念而爆发的力量感渲染得淋漓尽致。
这首歌，是她对支持者们最炽热的回应。
《镜·界》—— 一首带有迷幻电子色彩的歌曲，探讨的是自我认知与外界目光的冲突。
歌词充满了哲学思辨：“谁在镜中凝望我，是真实还是虚妄？标签贴满的躯壳，何处安放真的我？”
编曲使用了大量的人声切片、延迟和混响效果，营造出光怪陆离、虚实难分的听觉体验，精准地映射出她在舆论漩涡中一度对自我产生的怀疑与最终的突破。
《流光戏》—— 这是一首将国风与流行舞曲巧妙结合的作品。灵感来源于代言织云坊和拍摄国风大片时的体验。
歌词化用古典诗词意象，描绘了一场穿越古今的幻梦。
编曲上，笛子、琵琶等传统乐器与轻盈现代的电子打击乐交织，旋律旖旎灵动，既展现了东方美学的韵味，又不失时尚感。
江黎曦还在这首歌里融入了一段自己设计的戏曲身段式舞蹈，堪称点睛之笔。
《无声告白》—— 专辑中唯一的纯钢琴抒情曲，是写给她已逝父母的。
没有宏大的编排，只有清澈而克制的钢琴声和她细腻到极致的气声吟唱。
歌词简单却沉重：“那些未说出口的话，沉淀成掌心的疤，时光偷走了回答，只剩思念沙哑…”
在录音棚录制这首歌时，她数次哽咽，几乎无法继续，最终保留了些许颤抖的哭腔，反而让情感显得无比真实和动人。
创作过程并非一帆风顺。
与制作人张楠在音乐理念上时有碰撞。
对于《镜·界》的编曲，张楠倾向于更商业化的处理，而江黎曦则坚持要保持其实验性和破碎感，认为那才是歌曲内核的真实表达。
两人争论不休，甚至一度僵持。
最终，江黎曦在录音棚里即兴发挥，录制了一个更具撕裂感和空间感的人声版本，听到成果后，张楠终于被说服，感叹道：“你对你自己音乐的理解，无人能及。”
这种对艺术近乎偏执的坚持，贯穿了专辑制作的始终。
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